Spatial, No Problem. es la historia de una colaboración histórica: el último proyecto oficial de álbum de la leyenda jamaicana Lee «Scratch» Perry junto a los pioneros de la electrónica alemana Mouse on Mars (Jan St. Werner y Andi Toma). Grabado en Berlín en diciembre de 2019, Spatial, No Problem. nació bajo una premisa radical: explorar fronteras desconocidas y alejarse deliberadamente del reggae tradicional. El resultado es una obra de arte total gestada en el Paraverse Studio, donde se fusionaron la improvisación libre, el juego de palabras característico de Perry y una densa red de instrumentistas internacionales que convirtieron el estudio en un ecosistema sonoro sin límites.
Tras años de una meticulosa posproducción y un detallado ensamblaje de cintas, este álbum se erige como un puente perfecto entre diferentes culturas, tecnologías y zonas horarias. Aunque el icónico «Upsetter» falleció antes de ver el resultado final, su energía incombustible y su obsesión por el espacio exterior inundan cada pista de este mosaico vanguardista. Prepárate para sumergirte en una experiencia sonora donde el rasta se encuentra con el dadaísmo, y donde el sonido rompe cualquier restricción para transformarse hacia el futuro de la música experimental. La prsentación de Spatial. No problem. será en formato banda junto a Dodo NKishi and Regis Molina y será premiere en España
Spatial, No Problem. is the story of a landmark collaboration: the final official album project from Jamaican legend Lee «Scratch» Perry alongside German electronic pioneers Mouse on Mars (Jan St. Werner and Andi Toma). Recorded in Berlin in December 2019, Spatial, No Problem. was born from a radical premise: to explore uncharted territory and deliberately move away from traditional reggae. The result is a total work of art conceived at Paraverse Studio, where free improvisation, Perry’s signature wordplay, and a dense network of international instrumentalists fused together, transforming the studio into a boundless sonic ecosystem.
After years of meticulous post-production and detailed tape assembly, this album stands as a perfect bridge between different cultures, technologies, and time zones. Although the iconic «Upsetter» passed away before seeing the final result, his indomitable energy and obsession with outer space permeate every track of this avant-garde mosaic. Prepare to immerse yourself in a sonic experience where Rastafarianism meets Dadaism, and where sound breaks free from all constraints to transform itself into the future of experimental music. Spatial. No problem. will be presented in a band format alongside Dodo Nkishi and Regis Molina and will be its Spanish premiere.
Loraine James se ha consolidado como una de las artistas electrónicas más vitales, impredecibles y aclamadas del Reino Unido. Criada en el Alma Estate del norte de Londres, James absorbió desde la infancia una ecléctica paleta musical que iba desde el heavy metal hasta el calipso, traduciendo más tarde esas influencias en un sonido único mediante su teclado MIDI y un portátil. Tras irrumpir con fuerza en la escena internacional con su álbum debut en el prestigioso sello Hyperdub, For You & I (2019), ha construido una carrera meteórica que fusiona los colores del IDM, el ambient, el drill y el R&B para plasmar con honestidad su realidad queer y afrobritánica.
En su directo actual, James presenta su faceta más audaz e íntima con los paisajes sonoros de su proyecto ambiental Whatever The Weather y los temas de su álbum Detached From The Rest Of You. Inspirado en la era del clicks and cuts de los años 2000 y en referentes como Ryoji Ikeda, esta propuesta apuesta por un sonido minimalista donde los acordes dispersos de teclado, los glitches digitales y los silencios deliberados se convierten en herramientas de composición. Definiéndolo como su «álbum de estrella del pop IDM», Loraine sitúa su propia voz en primer plano, mostrando una madurez artística llena de vulnerabilidad, curiosidad y una constante evolución.
En esta ocasión para presentar su directo vendrá acompañada del baterista y productor Fyn Dobson. Fyn se ha forjado su trayectoria musical compartiendo escenario, estudio y colaborando con artistas de diversas disciplinas, como Loraine James, Warp Records, Kelly Moran (FKA Twigs y Oneohtrix Point Never), Coby Sey, 96Back, Louis Culture, Sam Akpro, Lucinda Chau y BODUR. Fuera de los escenarios, su versatilidad creativa se aprecia en los últimos trabajos de LINDT, donde comparte créditos de producción con Space Afrika, Porter Brook y DJ Chande.
Su estilo de batería se caracteriza por una rica expresión artística, con un sonido crudo, dinámico y preciso: abrasivo, físico y visceral.
Loraine James has established herself as one of the UK’s most vital, unpredictable, and acclaimed electronic artists. Raised in North London’s Alma Estate, James absorbed an eclectic musical palette from childhood—ranging from heavy metal to calypso—later translating those influences into a unique sound using a MIDI keyboard and a laptop. After bursting onto the international scene with her debut album For You & I (2019) on the prestigious Hyperdub label, she has built a meteoric career that fuses the colors of IDM, ambient, drill, and R&B to honestly reflect her queer, Afro-British reality.
In her current live show, James presents her most daring and intimate side, blending the sonic landscapes of her ambient project Whatever The Weather with tracks from her album Detached From The Rest Of You. Inspired by the 2000s clicks and cuts era and benchmarks like Ryoji Ikeda, this project embraces a minimalist sound where sparse keyboard chords, digital glitches, and deliberate silences become core compositional tools. Defining it as her «IDM pop star album,» Loraine places her own voice at the forefront, showcasing an artistic maturity filled with vulnerability, curiosity, and constant evolution.
For this special live performance, she will be accompanied by drummer and producer Fyn Dobson. Fyn has forged his musical career sharing the stage, studio, and collaborating with artists across diverse disciplines, including Loraine James, Warp Records, Kelly Moran (FKA Twigs and Oneohtrix Point Never), Coby Sey, 96Back, Louis Culture, Sam Akpro, Lucinda Chau, and BODUR. Offstage, his creative versatility shines through in LINDT’s latest works, where he shares production credits with Space Afrika, Porter Brook, and DJ Chande. His drumming style is characterized by a rich artistic expression, delivering a raw, dynamic, and precise sound: abrasive, physical, and visceral.
Saint Abdullah & Eomac es una colaboración musical a larga distancia entre los hermanos iraquí-canadienses Mohammad y Mehdi (con sede en Nueva York) e Ian McDonnell (Eomac, ubicado en Irlanda). Iniciado en 2019, este proyecto une el uso de equipos analógicos de los hermanos con la producción digital de Eomac, fusionando el sampleo crudo, la geopolítica y la síntesis sonora. Su objetivo principal es explorar las posibilidades revolucionarias del sonido y fomentar el diálogo cultural mediante la narrativa sónica.
Esta alianza artística ha dado lugar a múltiples lanzamientos discográficos en sellos como Other People de Nicolas Jaar, Planet Mu y Drowned by Locals. Además de sus producciones de estudio, el colectivo ha llevado su propuesta al ámbito de las presentaciones en vivo, destacando en festivales como Nuits Sonores y Tehran Contemporary Sounds. Asimismo, han aclamado el éxito de su pieza colaborativa audiovisual ‘A Forbidden Distance’, presentada en prestigiosos eventos como Berlin Atonal y Unsound.
Saint Abdullah & Eomac is a long-distance musical collaboration between Iranian-Canadian brothers Mohammad and Mehdi (based in New York) and Ian McDonnell (Eomac, based in Ireland). Initiated in 2019, this project merges the brothers’ use of analogue gear with Eomac’s digital production, blending raw sampling, geopolitics, and sound synthesis. Their main goal is to explore the revolutionary possibilities of sound and foster cultural dialogue through sonic storytelling.
This artistic alliance has resulted in multiple record releases on labels such as Nicolas Jaar’s Other People, Planet Mu, and Drowned by Locals. In addition to their studio productions, the collective has taken their proposal into the live arena, performing at festivals like Nuits Sonores and Tehran Contemporary Sounds. Furthermore, they have achieved critical acclaim for their collaborative audiovisual piece ‘A Forbidden Distance’, presented at prestigious events including Berlin Atonal and Unsound.
Sorpresa, aventura, entretenimiento y educación. Estas cuatro palabras definen a la perfección las sesiones de la productora y DJ holandesa Marcelle / Another Nice Mess. Con un virtuosismo único y operando simultáneamente tres platos tanto en el estudio como en el escenario, Marcelle difumina la línea entre DJ y música, fusionando estilos dispares de forma tan orgánica que parece que siempre han estado destinados a sonar juntos. Su estilo inconfundible esquiva cualquier cliché: desde sonidos ambientales y ruidos de vanguardia hasta free jazz, leftfield techno, hip-hop abstracto, nueva música de baile africana y dubstep.
Inspirada por movimientos vanguardistas como el Dadá y el Fluxus, el absurdo de los Monty Python y la experimentación salvaje del post-punk y el dub, Marcelle cuenta con una impresionante colección de más de 20.000 vinilos que respalda su profundo conocimiento histórico de la música underground. Residente de por vida del icónico Festival Nyege Nyege de Uganda y aclamada en internet como la «mejor DJ post-Peel», Marcelle ofrece una experiencia sonora inclasificable que ella misma se aventura a bautizar como «avant-garde ethno bass». Una auténtica revelación y pionera dispuesta a romper todas las reglas preconcebidas en la pista de baile.
Surprise, adventure, entertainment, and education. These four key words perfectly capture the essence of Dutch producer and DJ Marcelle / Another Nice Mess. Demonstrating masterful skill by operating three turntables simultaneously both in the studio and live on stage, Marcelle blurs the line between DJ and musician, fusing disparate styles so seamlessly that they feel inherently connected. Her distinctive style completely bypasses traditional DJ clichés, effortlessly blending environmental sounds and avant-garde noise with free jazz, leftfield techno, weird hip-hop, cutting-edge electronic rhythms, new African dance music, and dubstep.
Deeply inspired by avant-garde art movements like Dada and Fluxus, the real-life absurdism of Monty Python, and the wild sonic experiments of dub and post-punk, Marcelle relies on her massive collection of over 20,000 vinyl records to deliver sets backed by profound historical knowledge of underground music. Appointed as a «lifetime resident DJ» by Uganda’s legendary Nyege Nyege Festival and celebrated online as the «best post-Peel DJ», her unclassifiable performances are best described in her own words as «avant-garde ethno bass». A true pioneer and an ear-opening force ready to challenge expectations and shatter rules on the dancefloor.
NVST es una DJ y productora suiza surgida de los circuitos de fiestas libres y raves ilegales de Lausana, un trasfondo que define su enfoque físico y de alta tensión en la música de club. Sus sesiones y producciones navegan de forma impredecible entre el breakbeat, el tecno, el acid y el industrial, utilizando la pista de baile como un espacio de fricción y liberación. Esta visión intransigente e independiente la ha llevado a actuar en importantes plataformas internacionales como Tresor, Dekmantel, Atonal y festivales en Asia, Latinoamérica y Norteamérica.
Además de su trabajo en el estudio con lanzamientos en prestigiosos sellos como Tresor, Dekmantel y Fabric Records, NVST se encuentra expandiendo su práctica hacia formatos en vivo e híbridos. Actualmente desarrolla su primer espectáculo en solitario y en esta ocasión vendrá acompañada de la visualista Marta Verde, explorando la performance audiovisual más allá de las cabinas. En paralelo, co-dirige Big Science, un laboratorio de experimentación sonora enfocado en las vertientes más radicales de la música electrónica, y mantiene residencias en Kiosk Radio y Rinse FM.
Marta Verde (Pontevedra, 1985) es una visualista, programadora creativa y docente con más de quince años de trayectoria en el live performance audiovisual y sistemas de imagen en tiempo real. Su enfoque artístico fusiona lo orgánico y lo electrónico mediante el procesamiento de señales, la aleatoriedad y el ruido como lenguajes sensoriales, construyendo sus propios sistemas con herramientas digitales y síntesis analógica de vídeo. Destaca por su versatilidad en diversos contextos musicales y escénicos, colaborando extensamente con el compositor José Venditti, así como con artistas de la talla de Tanxugueiras o Aleksi Perälä, y presentando su trabajo en prestigiosos espacios como el Museo Reina Sofía, Sónar +D, MIRA Festival y Primavera Sound.
A lo largo de su carrera, su relevancia en el arte digital e internacional ha quedado registrada en el documental Visualists: Those Who See Beyond (2019) y en medios como Forbes o El País. Asimismo, ha cosechado importantes reconocimientos dentro y fuera de la escena electrónica, incluyendo nominaciones a los Vicious Music Awards. Entre sus galardones más recientes destacan el primer premio en los We:Now Awards 2024 por el álbum audiovisual Espectro Dorado , así como el Premio Alumni de la Universidade de Vigo y la distinción de Maker de Mérito en la Maker Faire Galicia, ambos otorgados en 2025 por su trayectoria y contribución a la cultura digital.
NVST is a Swiss DJ and producer who emerged from Lausanne’s free party and illegal rave circuits, a background that shapes her physical, high-tension approach to club music. Her sets and productions navigate unpredictably through breakbeat, techno, acid, and industrial, utilizing the dancefloor as a space of friction and release. This uncompromising and fiercely independent vision has taken her to major international platforms such as Tresor, Dekmantel, and Atonal, as well as tours across Asia, Latin America, and North America.
In addition to her studio work with releases on prestigious labels like Tresor, Dekmantel, and Fabric Records, NVST is expanding her practice toward live and hybrid formats. She is currently developing her first solo live, and on this occasion she will be accompanied by visual artist Marta Verde, exploring audiovisual performance beyond the booths. In parallel, she co-directs Big Science, a sound experimentation lab dedicated to the radical fringes of electronic music, and maintains residencies on Kiosk Radio and Rinse FM.
Marta Verde (Pontevedra, 1985) is a visual artist, creative coder, and educator with over fifteen years of experience in live audiovisual performance and real-time imaging systems. Her artistic approach merges the organic and the electronic through signal processing, randomness, and noise as sensory languages, building her own custom systems using digital tools and analogue video synthesis. She stands out for her versatility across diverse musical and performance contexts, collaborating extensively with composer José Venditti, as well as with artists like Tanxugueiras and Aleksi Perälä, and presenting her work at prestigious spaces such as the Museo Reina Sofía, Sónar +D, MIRA Festival, and Primavera Sound.
Throughout her career, her relevance in digital and international art has been documented in the film Visualists: Those Who See Beyond (2019) and featured in media outlets like Forbes and El País. Furthermore, she has garnered major recognition within and beyond the electronic scene, including nominations for the Vicious Music Awards. Among her most recent accolades are the first prize at the We:Now Awards 2024 for the audiovisual album Espectro Dorado, alongside the Alumni Award from the Universidade de Vigo and the Maker of Merit distinction at Maker Faire Galicia, both awarded in 2025 for her career and contribution to digital culture.
@C + Visiophone es un proyecto portugués integrado por Miguel Carvalhais, Pedro Tudela y Rodrigo Carvalho que ofrece una innovadora performance audiovisual basada en un sistema modular generativo. En su directo, los tres creadores interactúan en tiempo real combinando ordenadores, sonido, luces y visuales para explorar el papel de la tecnología no solo como herramienta, sino como un agente y socio creativo autónomo. Cada actuación de este proyecto, estrenado originalmente en el CAAA de Guimarães en 2024, es una pieza única que emerge del encuentro directo y orgánico entre la sensibilidad de los artistas y la respuesta de las máquinas.
Detrás de este proyecto se encuentra la veteranía de Carvalhais y Tudela, quienes colaboran desde el año 2000 bajo el nombre de @c en el ámbito de la experimentación radical con el sonido computacional e instalaciones, además de fundar en 2003 el reputado sello de música experimental Crónica. A ellos se une Rodrigo Carvalho (Visiophone), un diseñador y artista enfocado en medios computacionales, programación creativa y arte interactivo que forma parte de Openfield Creativelab y Boris Chimp 504. Juntos, firman una propuesta donde las pantallas, los escenarios y los algoritmos confluyen en una experiencia inmersiva de vanguardia.
30×N is a Portuguese project featuring Miguel Carvalhais, Pedro Tudela, and Rodrigo Carvalho, delivering an innovative audiovisual performance powered by a generative modular system. In their live show, the three creators interact in real time by blending computers, sound, lights, and visuals to explore the role of technology not just as a tool, but as an active agent and creative partner. Originally premiered at CAAA in Guimarães in 2024, each performance stands as a unique piece that emerges directly from the organic meeting between the artists’ intuition and the machine’s response.
The project brings together the extensive experience of Carvalhais and Tudela—who have collaborated as @c since 2000 in radical computational sound experimentation and installations, and co-founded the renowned experimental label Crónica in 2003. They are joined by Rodrigo Carvalho (Visiophone), a designer and computational media artist focusing on creative programming and interactive art, known for his work with Openfield Creativelab and Boris Chimp 504. Together, they deliver a cutting-edge showcase where screens, stages, and algorithms converge into a deeply immersive experience.
Owen McAteer es un artista irlandés afincado en Madrid que desarrolla su práctica en el ámbito de los new media. Utilizando código y sistemas matemáticos complejos, diseña «obras de arte vivas» que toman la forma de pantallas cinéticas e instalaciones interactivas de luz y color. Su propuesta artística busca explorar la conexión humana con las dimensiones ocultas de nuestro entorno y el deseo de comprenderlas, desvelando la belleza intrínseca que reside en lo impredecible. Con una destacada trayectoria internacional, su obra ha sido expuesta en galerías, museos y prestigiosos espacios públicos globales como Christie’s, Phillips, HOFA, ArtBlocks, Pisa y el CCCC.
Para el festival, McAteer estrena su obra Monad, un espectáculo audiovisual inmersivo concebido especialmente para el espacio histórico del Refugi de Bombas Gens en Valencia. Esta instalación lumínica y sonora actúa como un viaje metafórico desde el ruido de nuestro mundo cotidiano hacia la lógica singular del universo geométrico. El recorrido invita al espectador a descender a través de una escalera donde el exterior se silencia, guiándolo por salas inferiores repletas de láseres, luces sincronizadas y un detallado paisaje sonoro de Chris McAteer, hasta alcanzar el «Punto de Unidad»: la singularidad geométrica y matemática de la que todo emana.
Owen McAteer is an Irish new media artist based in Madrid who crafts compelling interactive experiences at the intersection of technology and art. By leveraging code and rigorous mathematical systems, he generates «living artworks» that manifest as kinetic displays and shifting installations of color and light. His creative practice probes the human connection to the unseen structures surrounding us, mapping our inherent desire to decode them while uncovering the unique beauty buried within the unpredictable. McAteer’s work has gained international recognition, exhibiting at acclaimed global galleries, museums, and public institutions, including Christie’s, Phillips, HOFA, ArtBlocks, Pisa, and CCCC.
For this festival edition, McAteer introduces Monad, an immersive audiovisual light showcase custom-designed for the historic Refugi at Bombas Gens in Valencia. Driven by pure geometry, the installation serves as a metaphorical journey away from the chaotic noise of our daily reality and into the singular logic of the mathematical universe. Audiences are invited to descend through a transitional space where the outside world falls silent, entering lower chambers activated by synchronized lasers, lights, and a tailored soundscape by Chris McAteer, eventually arriving at the Monad’s «Point of Unity»—the very core of geometric singularity from which everything stems.
Kati Katona (n. 1995) es una artista de nuevos medios afincada en Budapest cuya práctica se sitúa en la intersección entre la tecnología, la percepción y el espacio. A través de la creación de instalaciones interactivas, arte generativo y projection mapping, Katona traduce fenómenos orgánicos y estructuras biomórficas en entornos visuales algorítmicos y meditativos que transforman la percepción espacial, difuminando de este modo las fronteras entre los mundos físico y virtual. Su destacada trayectoria internacional abarca muestras en plataformas globales como Vivid Sydney, Intervals Festival y el Light Art Museum Budapest, un reconocimiento a su innovación que se consolidó en 2026 al recibir el premio Carmen Mateu Young European Artist Prize junto a sus colaboradores.
Entre sus producciones a gran escala destaca CONTINUUM (2025), una composición audiovisual e instalación de vídeo inmersiva diseñada originalmente para proyectarse en cuatro paredes y el techo, envolviendo por completo al espectador. Esta obra explora la estructura estratificada y no lineal del espacio y el tiempo a escala cósmica, ilustrando la diversidad de escalas temporales mediante procesos universales como la formación de nebulosas, las transformaciones de supernovas y los efectos distorsionadores de los agujeros negros. Al plantear que el tiempo cósmico no es una progresión lineal sino una estructura dinámica en continua transformación cíclica, la instalación invita al público a sumergirse en un entorno donde pasado, presente y futuro se entrelazan para ser experimentados emocionalmente.
Kati Katona (b. 1995) is a Budapest-based new media artist whose practice lies at the intersection of technology, perception, and space. Through the creation of interactive installations, generative art, and projection mapping, Katona translates organic phenomena and biomorphic structures into algorithmic and meditative visual environments that transform spatial perception, thereby blurring the boundaries between the physical and virtual realms. Her outstanding international trajectory includes showcases at global platforms such as Vivid Sydney, Intervals Festival, and the Light Art Museum Budapest —a recognition of her innovation that was consolidated in 2026 when she was awarded the Carmen Mateu Young European Artist Prize alongside her collaborators.
Among her large-scale productions, CONTINUUM (2025) stands out as an immersive video installation and audiovisual composition originally designed to be projected onto all four walls and the ceiling, completely enveloping the viewer. This work explores the layered and non-linear structure of space and time on a cosmic scale, illustrating the diversity of time scales through universal processes such as the formation of nebulae, supernova transformations, and the distorting effects of black holes. By proposing that cosmic time is not a linear progression but a dynamic structure in continuous cyclical transformation, the installation invites the public to immerse themselves in an environment where past, present, and future intertwine to be deeply and emotionally experienced.
Sentuhlà es uno más de los muchos alias musicales de José Guerrero, integrante de largo recorrido de la rica escena underground de Valencia. En esta nueva excursión en solitario, explora las vastas posibilidades de la repetición mecánica, el funk maquinal con ritmos sucios y el boogie de sintetizadores, esculpiendo un sonido sincopado que es moderno pero atávico al mismo tiempo. Con una amplia variedad sonora y profundidad de detalle, Sentuhlà es música de baile a través del downtempo, con los ritmos africanos jugando con la no wave, y logrando la difícil tarea de sonar despreocupado pero también ardiente y meticuloso.
Música de club nocturno a puerta cerrada que atraerá a los fanáticos de los nuevos caminos en la música de baile que colocaron a Cabaret Voltaire, impLOG o la Orchestre Poly-Rythmo de Cotonou en los sótanos del siglo XXI.
Sentuhlà is one of the many musical aliases of José Guerrero, a long-time member of Valencia’s rich underground scene. In this new solo venture, he explores the vast possibilities of mechanical repetition, machine-like funk with gritty rhythms, and synth-driven boogie, sculpting a syncopated sound that is both modern and primal. With a wide sonic range and depth of detail, Sentuhlà is dance music through downtempo, with African rhythms playing with no wave, achieving the difficult feat of sounding carefree yet fiery and meticulous.
Closed-door nightclub music that will appeal to fans of the new directions in dance music that propelled Cabaret Voltaire, impLOG, and Cotonou’s Orchestre Poly-Rythmo into the basements of the 21st century.
Showcase Abstrakce records
Hari Sima es el proyecto personal de Paco León, músico y productor de Castelló, que explora territorios entre el ambient, la experimentación electrónica y la música secuencial. Desarrolla un enfoque introspectivo en el que convergen texturas sintéticas y elementos orgánicos. Actualmente, forma parte del grupo Mecánica Clásica y formaba parte del dúo Güiro Meets Russia.
Abstrakce records showcase
Hari Sima is the personal project of Paco León, a musician and producer from Castelló, who explores territories between ambient, electronic experimentation, and sequential music. He develops an introspective approach in which synthetic textures and organic elements converge. He is currently a member of the group Mecánica Clásica and was formerly part of the duo Güiro Meets Russia.
Showcase colectivo INPUT
Gianluca Tavaroli es IMGL, un músico de formación clásica y uno de los fundadores del colectivo Inputs. Con una combinación perfecta de sensibilidades clásicas e innovación electrónica, la música de IMGL trasciende géneros y crea un paisaje sonoro que invita a los oyentes a vivir una experiencia auditiva cautivadora. Sus composiciones, que abarcan desde expresiones clásicas hasta exploraciones ambientales, muestran una profunda versatilidad que refleja su compromiso de ampliar los límites de la expresión musical.
INPUT Collective Showcase
Gianluca Tavaroli is IMGL, a classically trained musician and one of the founders of the Inputs collective. Blending classical sensibilities with electronic innovation, IMGL’s music transcends genres to create a sonic landscape that invites listeners into a captivating auditory experience. Ranging from classical expressions to ambient explorations, his compositions showcase a deep versatility that reflects his commitment to pushing the boundaries of musical expression.
INPUT Collective Showcase
El estilo de Eter and the patterns (EATP) es pura electrónica analógica de la vieja escuela, de esa que se cocina en directo y sobre la marcha. Formado por los proyectos de Tele_visiones y Barmopa. El dúo hispano-argentino pasa olímpicamente de ordenadores y se la juega a base de cacharros: cajas de ritmos, secuenciadores y sintetizadores interconectados.
Su sonido es un techno oscuro, mental e hipnótico que no busca el subidón fácil, sino meterte en un bucle a base de ritmos cíclicos, texturas industriales muy densas y esas líneas de bajo ácidas que te vuelan la cabeza cuando empiezan a retorcer los filtros en vivo. Al final, lo suyo es una improvisación cruda y artesanal, muy de club underground, donde la gracia está en ver cómo dialogan entre ellos a través de las máquinas para crear una atmósfera envolvente que te atrapa de principio a fin.
INPUT Collective Showcase
The style of Eter and the patterns (EATP) is pure old-school analog electronics—the kind that is cooked up live and on the fly. Formed by the projects tele_visiones and Barmopa. The Spanish-Argentine duo bypass computers entirely, putting everything on the line with raw hardware: interconnected drum machines, sequencers, and synthesizers.
Their sound is a dark, mental, and hypnotic techno that steers clear of the easy drop; instead, it draws you into a loop built on cyclic rhythms, dense industrial textures, and those acid basslines that blow your mind as they twist the filters live. Ultimately, their performance is a raw, handcrafted improvisation with a deep underground club vibe, where the real magic lies in watching them dialogue through the machines to create an immersive atmosphere that grips you from start to finish.
Showcase Discos en Vela
Adrián Camáñez es el alma detrás de Revendless, un proyecto musical que fusiona sintetizadores analógicos, procesamiento digital y voces en directo. Con una sensibilidad única arraigada en el ambient, el dream pop y la electrónica experimental, el compositor, guitarrista y teclista llega a Volumens 2026 para presentar en directo «Nostalgia», su aclamado primer trabajo en solitario editado por el sello VELA.
Showcase Discos en Vela
Adrián Camáñez is the creative mind behind Revendless, a project that seamlessly blends analog synthesizers, digital processing, and live vocals. Driven by a unique sensitivity rooted in ambient, dream pop, and experimental electronics, the composer, guitarist, and keyboardist comes to Volumens 2026 to present «Nostalgia«, his acclaimed debut solo album recently released via VELA.
Showcase Discos en Vela
Andrea Giménez es pianista y productora de vanguardia, Andrea Giménez expande los límites de la música experimental, el minimalismo y el ambient. Mediante el uso sinérgico del piano, los sintetizadores y la electrónica, deconstruye el sonido a través de efectos granulares, ráfagas y glitches, modelando paisajes sonoros únicos que mutan en texturas móviles y orgánicas.
Showcase Discos en Vela
Andrea Giménez is an avant-garde pianist and producer, Andrea Giménez pushes the boundaries of experimental music, minimalism, and ambient soundscapes. Seamlessly combining piano, synthesizers, and electronic elements, she deconstructs sound using granular effects, bursts, and glitches to shape ever-evolving, organic textures.
Showcase Discos en Vela
Ari es fundadora y curadora de Radio Internet, Ari es una DJ indispensable de la escena de València. Su propuesta sonora se sumerge en el tribal house, el latin bass y las texturas dub, expandiéndose de manera natural hacia el downtempo, el trip hop y el ambient. Sus sesiones destacan por una narrativa fluida, meticulosa y exploratoria que evoluciona de forma progresiva en la pista de baile.
Showcase Discos en Vela
Founder and curator of Radio Internet, Ari is a key selector in the Valencia electronic music scene. Her sonic landscape blends tribal house, latin bass, and dub textures, expanding effortlessly into downtempo, trip hop, and ambient territories. Her sets stand out for their fluid, meticulously crafted, and exploratory narrative that builds progressively on the dancefloor.
Acceso gratuito a todas las instalaciones, charlas y eventos hasta llenar aforo, salvo los especificados a continuación:Free access to all installations, talks, and events until capacity is reached, except those specified below:
14 oct
Bombas Gens
15 oct
Bombas Gens
16 oct
Bombas Gens
17 oct
Bombas Gens
17 oct
Caixa Forum
17 oct
16 Toneladas
Volumens es el festival de referencia en cultura digital y new media art de la Comunidad Valenciana, celebrado anualmente en Valencia desde 2015.
Su nombre encierra tres lecturas: volumen, vinculado al sonido; lumens, a la luz y la imagen; y volúmenes, a los espacios que acogen sus intervenciones.
El festival explora las intersecciones entre arte contemporáneo, música, ciencia y tecnología. Su objetivo es construir una plataforma abierta e inclusiva donde la curiosidad se sumerja en formas de creación únicas e innovadoras, a través de talleres, exposiciones, conferencias, espectáculos y, especialmente, conciertos.
Con la música como motor y una clara vocación de generar nuevas audiencias y resignificar los espacios que ocupa, el festival ha intervenido algunos de los enclaves más emblemáticos de Valencia, como el Palau de la Música, Bombas Gens, el MuVIM, el Centre del Carme de Cultura Contemporània, la Base de La Marina, el Teatre El Musical, la Ciutat de les Arts i les Ciències, La Mutant, Las Naves o La Fábrica de Hielo.
Volumens is the leading festival for digital culture and new media art in the Valencian Community, held annually in Valencia since 2015.
Its name holds three meanings: volume, referring to sound; lumens, to light and image; and volumes, to the spaces that host its interventions.
The festival explores the intersections between contemporary art, music, science, and technology. Its aim is to build an open and inclusive platform where curiosity immerses itself in unique and innovative forms of creation through workshops, exhibitions, talks, performances, and, above all, concerts.
With music as its driving force and a clear commitment to reaching new audiences and reshaping the spaces it occupies, the festival has activated some of Valencia’s most iconic venues, including Palau de la Música, Bombas Gens, MuVIM, Centre del Carme de Cultura Contemporània, La Marina’s Base, Teatre El Musical, the City of Arts and Sciences, La Mutant, Las Naves, and La Fábrica de Hielo.
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